Johannes Petry e Niklas Kullick – The Conversation. Trad. O’Lima.
Será que toda a música soa igual hoje em dia? Muitos ouvintes – e artistas – pensam que sim. Há uma preocupação de que os sucessos atuais estejam cada vez mais genéricos, previsíveis e indistinguíveis. E tudo isso pode se resumir a dinheiro.
Plataformas de streaming como o Spotify transformaram a produção, distribuição e consumo de música. Em vez de incentivar a expressão individual, há muito tempo existe a crença de que as plataformas de streaming mudaram o foco para objetivos financeiros.
A nossa nova investigação analisou essas percepções e descobriu que, ao longo de um período de 20 anos, houve uma tendência para a padronização, repetição e conformidade nas faixas populares.
Na década de 1940, filósofos como Theodor Adorno e Max Horkheimer argumentaram que, tal como as linhas de produção de Henry Ford, também a música se tinha tornado uma mercadoria produzida em massa, projetada para consumo passivo. No início dos anos 2000, as vendas físicas de discos ainda geravam receitas, as grandes gravadoras controlavam a maior parte do mercado e o poder promocional estava concentrado nas estações de rádio, na televisão musical e nas tabelas de sucesso.
Apesar dessa estrutura mercantilizada, a música — especialmente em géneros como o hip-hop — permaneceu estilisticamente diversificada e regionalmente distinta. No entanto, na última década, ocorreu uma transformação. O surgimento das plataformas de streaming e o papel crescente das finanças reestruturaram a indústria cultural. Isso não está apenas a mudar a forma como a música é distribuída, mas também a alterar fundamentalmente a forma como ela é valorizada e produzida.
No nosso estudo, descobrimos que a indústria atual já não se concentra principalmente na venda de produtos como álbuns, bilhetes ou CDs. Em vez disso, concentra-se na geração de ativos financeiros sob a forma de um número crescente de reproduções e assinaturas que prometem criar fluxos de receitas futuras.
Essa mudança é impulsionada por duas forças principais, conhecidas como “plataformização” e “financeirização”. A plataformaização refere-se ao domínio dos serviços de streaming, que moldam a forma como a música é produzida e consumida. A financeirização consiste em priorizar fluxos de receita futuros em detrimento da rentabilidade imediata.
Neste novo cenário, o valor é criado não pelas vendas, mas pela propriedade sobre rendimentos futuros. Isso está a transformar músicas, playlists e plataformas em ativos financeiros. Transformou a música num produto de investimento e as playlists em ferramentas altamente selecionadas para extrair valor.
O Spotify, por exemplo, raramente gera lucro. Em vez disso, o seu modelo de negócios gira em torno da expectativa de aumentos futuros na receita. Isso baseia-se no aumento das reproduções de assinaturas pagas e não pagas, quer através do aumento da receita publicitária quer das taxas de assinatura mensais.
Os investidores valorizam o Spotify não pelos seus ganhos atuais, mas pela sua capacidade de crescimento. Para isso, ele precisa maximizar as reproduções e assinaturas e «minimizar o atrito» (ou seja, tornar a experiência de audição suave e ininterrupta). É aí que entra a playlist.
A rádio já desempenhou um papel central na formação dos gostos musicais. Mas hoje, as playlists assumiram esse papel. Com quase 16 milhões de seguidores, a influente playlist de hip-hop RapCaviar não reflete apenas os gostos dos ouvintes, mas também molda-os.
Ter uma música em playlists importantes pode gerar centenas de milhares de dólares em receita, e não ser listado pode significar o esquecimento. Essa pressão mudou a forma como a música é feita.
Para serem incluídas nas playlists, as músicas devem seguir um conjunto de regras não escritas: duração curta, refrões cativantes, batidas previsíveis e texturas sonoras familiares. As músicas que se desviam muito deste padrão correm o risco de serem ignoradas e, portanto, de não gerar royalties. O resultado são playlists otimizadas para serem consumidas em excesso e selecionadas para um consumo contínuo.
Para testar se essas pressões estão levando à homogeneização da música, realizámos uma análise comparativa do conteúdo da música hip-hop de duas épocas.
Para o período pré-streaming, examinámos a lista de reprodução retrospectiva da Apple Music com os maiores sucessos do hip-hop e R&B de 2002. Para a era do streaming, analisámos a lista de reprodução RapCaviar do Spotify de 2022.
Ambas continham uma amostra de 50 músicas que analisámos em cinco categorias. Investigámos a forma e a estrutura, a amostragem, o ritmo, o estilo vocal e as letras – e as conclusões foram surpreendentes.
Duração das músicas: a duração média das faixas caiu de quatro minutos e 19 segundos (2002) para três minutos e três segundos (2022), refletindo a pressão para envolver os ouvintes rapidamente
Tempo e tonalidade: as músicas em 2022 agrupavam-se muito mais em torno de tempos e tonalidades harmónicas semelhantes, reduzindo a variedade de sons
Amostras: enquanto as faixas do início dos anos 2000 se inspiravam em diversos géneros e culturas locais, a maioria dos sucessos de 2022 favoreceu ambientes semelhantes — loops genéricos de piano e guitarra — muitas vezes provenientes de plataformas de produção pré-configuradas, como a LANDR.
Ritmo: enquanto as músicas hip-hop anteriores costumavam usar ritmos distintos, 90% das músicas de 2022 usavam 808s (uma bateria eletrônica sintética) e ritmos quase idênticos.
Vocais: os efeitos de auto-tune eram quase onipresentes em 2022, dando às vozes uma textura digital uniforme.
Letras: utilizando o processamento de linguagem natural (uma ferramenta de IA), descobrimos que as letras em 2022 eram 60% mais semelhantes entre si do que em 2002, apesar de utilizarem um conjunto maior de palavras.
Em conjunto, estas tendências sugerem que a diversidade sonora e estilística outrora elogiada no hip-hop foi substituída pela compatibilidade algorítmica. Enquanto em 2002 um grupo diversificado de músicas, incluindo Make It Clap, de Busta Rhymes, Lose Yourself, de Eminem, ou Work It, de Missy Elliott, estavam no topo das tabelas de hip-hop, as músicas atuais no RapCaviar são muito mais homogéneas.
Outrora uma forma de arte definida pela regionalidade, resistência e expressão individual, o hip-hop é cada vez mais moldado pelos incentivos do capitalismo de plataforma.
Por que é que isto é importante?
Isto reflete uma transformação mais ampla na forma como os produtos culturais são criados, valorizados e distribuídos. A música e outras formas de arte são cada vez mais produzidas em plataformas projetadas para escalabilidade. Assim, muitas vezes a lógica do ativo substitui a liberdade artística, e a previsibilidade supera a originalidade.
As plataformas de streaming podem alegar que democratizam a indústria musical, mas, na realidade, muitas vezes reforçam o domínio das grandes gravadoras e das tendências pré-existentes.
Mesmo os artistas quebeneficiavam com esses sistemas estão a começar a falar sobre as suas limitações. Isso é ainda mais importante com o surgimento da IA generativa e a possibilidade de um futuro de geração musical individualizada e sob procura.
Para que a música recupere o seu poder crítico, criativo e expressivo, ela precisa ser separada da lógica financeira que agora a governa. O primeiro passo é entender como essa lógica funciona – e a quem ela serve.
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